Wie du Pixars Regeln fürs Geschichtenschreiben in deinem Drehbuch verwenden kannst

Pixar steht für durchdachte Filme mit ausgearbeiteten Figuren und Handlungen, die garantiert die Gefühle ansprechen. Wie schaffen sie es, einen emotionalen Hitfilm nach dem anderen rauszubringen? 2011 twitterte Pixar-Storyboard-Artist Emma Coats eine Reihe von Regeln zum Geschichtenschreiben, die sie durch die Arbeit bei Pixar gelernt hat. Diese Regeln wurden als „Pixars 22 Regeln zum Geschichtenschreiben“ bekannt.Heute teile ich diese Regeln mit euch und erläutere, wie ich sie beim Drehbuchschreiben anwende.

1. Du bewunderst eine Figur mehr für ihre Bemühungen als für ihre Erfolge.

Das Publikum möchte sich mit einer Figur identifizieren und auf ihrer Seite sein. Ob sie ihre Ziele erreicht oder nicht ist weniger wichtig als die Entwicklung und die Lehren auf dem Weg.

2. Du musst daran denken, was du als Zuschauer interessant findest, nicht an das, was dir als Autor Spaß macht. Das kann sehr unterschiedlich sein.

Schreibst du für dich? Es ist nichts falsch daran, eine Geschichte einfach nur aus Spaß zu schreiben, ohne die Absicht, sie zu verkaufen oder zu produzieren. Wenn du allerdings ein Drehbuch schreibst und willst, das andere es sehen, versuch daran zu denken, was du gerne schaust.

3. Es ist wichtig, ein Thema zu haben, aber du wirst erst an ihrem Ende sehen, worum es in der Geschichte tatsächlich geht. Und jetzt schreib sie um.

Bei deinem ersten Entwurf sollte es einfach darum gehen, die Geschichte zu schreiben. In deinen nächsten Entwürfen kannst du mit dem Thema spielen!

4. Es war einmal ___. Jeden Tag ___. Eines Tages ___. Daher ___. Daher ___. Bis schließlich ___.

Sei fähig, die Handlung deiner Geschichte auf diese Weise zu erklären!

5. Vereinfache. Konzentriere dich. Kombiniere Figuren. Überwinde Umwege. Du wirst das Gefühl haben, dass du wertvolle Dinge verlierst, aber du wirst dadurch frei.

Bring deine Figuren so schnell wie möglich in die Szenen und wieder heraus. Lass das Publikum schlussfolgern, was passiert ist, statt es ihm deutlich zu zeigen.

6. Worin ist deine Figur gut, womit fühlt sie sich wohl? Konfrontiere sie mit dem direkten Gegenteil. Fordere sie heraus. Wie geht sie damit um?

Konflikt und Herausforderungen sind das Lebensblut eines erfolgreichen Drehbuchs. Was lernen wir über deine Figur, indem ihr Hindernisse in den Weg gelegt werden? Stell sicher, dass du den Einsatz erhöhst und viel passiert, das deine Figur herausfordert.

7. Überleg dir ein Ende, bevor du an der Mitte arbeitest. Ende sind schwer, sorge im Voraus dafür, dass deins funktioniert.

Einige Autoren empfehlen, rückwärts zu arbeiten. Wenn du das Ende kennst, kannst du später herausfinden, wie du dorthin kommst.

8. Beende deine Geschichte. Lass gehen, auch wenn sie nicht perfekt ist. In einer idealen Welt hast du beides, aber zieh weiter. Mach es das nächste Mal besser.

Du kannst nicht viel mit einem unfertigen Drehbuch machen, aber ein fertiges Drehbuch kann immer umgeschrieben und verbessert werden!

9. Wenn du nicht weiter weißt, erstelle eine Liste mit den Dingen, die NICHT als nächstes passieren werden. Oft kommst du auf die Ideen, die dich weiterbringen.

Dies ist eine tolle Brainstorming-Technik. Schreiben ist nicht wirklich schreiben. Ein Teil beim Schreiben des Drehbuchs ist, einfach andere mögliche Optionen zu eliminieren!

10. Analysiere die Geschichten, die du magst. Was dir an ihnen gefällt ist ein Teil von dir. Du musst das erkennen, bevor du es verwenden kannst.

Es gibt nichts Hilfreicheres als die Filme und Drehbücher, die dir gefallen, zu studieren!

11. Wenn du sie zu Papier bringst, kannst du anfangen, sie auszubessern. Wenn sie in deinem Kopf bleibt, eine perfekte Idee, wirst du sie nie mit jemandem teilen.

Es ist kein Drehbuch, bis du es mit jemandem teilen kannst. Deine Geschichten sind dafür bestimmt, erzählt zu werden, also lass sie nicht ewig in deinem Kopf feststecken!

12. Ignorier das Erste, das dir in den Kopf kommt. Und das Zweite, das Dritte, das Vierte, das Fünfte – werde das Offensichtliche los. Überrasche dich selbst.

Wenn du dich selbst überraschst, führt das oft dazu, dass du das Publikum überraschst!

13. Verleih deinen Figuren Meinungen. Passiv/gefügig mag beim Schreiben sympathisch erscheinen, aber es ist Gift für das Publikum.

Selbst die passivste Figur hat eine Meinung. Wenn deine Figur keinen Grund hat, dort zu sein, sollte sie es vielleicht nicht.

14. Warum musst du DIESE Geschichte erzählen? Wie sieht der Glaube aus, der in dir brennt und deine Geschichte nährt? Das ist ihr Herz.

Und das ist, was deine Geschichte einzigartig mach! Finde den Ursache heraus, warum deine Geschichtsidee bei dir so starke Gefühle auslöst, und stell sicher, dass diese Logik für den Leser deutlich wird.

15. Wenn du in dieser Situation deine Figur wärst, wie würdest du dich fühlen? Ehrlichkeit verleiht unglaubliche Situationen Glaubwürdigkeit.

Sei echt! Konzentriere dich auf das, was ehrlich ist, statt auf das, was in der Geschichte am besten funktioniert. Ehrlichkeit öffnet beim Geschichtenerzählen Türen und man kann sich mit deinen Figuren besser identifizieren.

16. Wie hoch ist der Einsatz? Gib uns einen Grund, mit der Figur mitzufiebern. Was passiert, wenn sie keinen Erfolg hat? Erhöhe den Einsatz gegen sie.

Sorge dafür, dass wir von Anfang an auf der Seite deines Protagonisten sind.

17. Keine Arbeit ist nie verschwendet. Wenn sie nicht funktioniert, lass los und zieh weiter – sie wird später wieder nützlich sein.

Schreiben ist niemals Zeitverschwendung! Immer wenn du schreibst, wächst du und verbesserst dich!

18. Du musst dich selbst kennen: den Unterschied zwischen „sich anstrengen“ und „pingelig sein“. Geschichtenschreiben heißt herumprobieren, nicht verfeinern.

Mach einen Schritt zurück. Zoome heraus. Machst du deinen Standpunkt deutlich? Erhalte früh und häufig Feedback und verliere dich nicht in den Details.

19. Zufälle, die deiner Figur Schwierigkeiten bringen, sind toll. Zufälle, die sie wieder aus diesen herausbringen, sind Betrug.

Deine Figuren sollen ihre Probleme nicht nur mit Glück überwinden. Sie müssen sich anstrengen, um sie zu lösen. Das kann oft eine Quelle für Wachstum und Veränderung sein.

20. Übung: Nimm die Bestandteile eines Films, den du nicht magst. Wie kannst du sie zu etwas zusammensetzen, dass du MAGST.

21. Du musst dich mit deiner Situation/deinen Figuren identifizieren. Du kannst nicht einfach nur ‚cool‘ schreiben. Was würde dafür sorgen, dass DU so handelst?

Gefühle und Interaktionen aus dem echten Leben sind oft die beste Basis für die Szenen deines Drehbuchs. Wann hast du dich das letzte Mal ausgegrenzt, ekstatisch, eifersüchtig oder obsessiv gefühlt? Was ist passiert, dass du dich so gefühlt hast? Arbeite das in dein Drehbuch ein.

22. Was ist die Essenz deines Drehbuchs? Die sparsamste Art, sie zu erzählen? Wenn du das weißt, kannst du von dort aus aufbauen.

Einfacher ist oft besser! Was ist der direkteste Weg, um deinen Protagonisten von Punkt A zu Punkt C zu bringen?

Ich hoffe, diese Liste mit Regeln war nützlich. Sieh sie nicht als strikte Regeln an, die du befolgen musst, um ein erfolgreiches Drehbuch zu schreiben, sondern mehr als Richtlinien, die dich wieder auf den richtigen Weg bringen, wenn du Probleme mit deinem Drehbuch hast. Sie sind eine tolle Anleitung, um dir zu helfen, deinen Schreibprozess zu vereinfachen und zu den grundlegenden Elementen für eine gute – nein, eine großartige – Geschichte zu kommen. Viel Spaß beim Schreiben!